Archive for the 'metal' Category

23
Sep
09

Krilin – When the time comes, there will be no time (2009)

La sorpresa de la temporada llega desde dentro de nuestras fronteras. En un año en el que los pesos pesados de casi todos los géneros están dejando caer sus nuevos trabajos, es el debut de unos vascos el que se ha llevado el gato al agua como la gran revelación de un año al que todavía le quedan algunos meses. Y es un verdadero orgullo saber que existen en España grupos capaces de sonar más interesantes e inspiradores que la mayoría de los que vienen de fuera, cuando a lo que estamos acostumbrados es a estar atentos a lo que viene de los Estados Unidos o el norte de Europa. Varios discos en los últimos años nos han mostrado que tenemos bandas capaces de poner en un aprieto a los grandes combos internacionales, y este que nos ocupa es la confirmación de que al fin estamos en disposición de convertirnos en uno de esos países exportadores de música de primera categoría.

Krilin han llegado sin levantar sospechas, sin promoción, sin un sello que les respalde y guardando un secreto que al ser revelado ha dejado boquiabiertos a todos aquellos que lo han escuchado. Ese secreto es su álbum de debut, Where the time comes there will be no time, una colección de diez canciones de una factura impecable y con el gran mérito de dejar entrever todas sus influencias pero integrándolas perfectamente en un sonido propio y con mucha personalidad. No se puede negar que estos chicos se saben de pe a pa el Vheissu de Thrice, el OK Computer de Radiohead y el White Pony de Deftones, tres discos sagrados y de cuyas relaciones polígamas nace este hijo bastardo. Contra todo prejuicio, Krilin suenan a los tres por igual pero a ninguno en particular, consiguiendo un disco tremendamente personal.

¿Qué puede salir cuando fundes los discos insignia de géneros tan dispares como el post hardcore, el indie pop y el nu metal, los remueves con paciencia y dejas secar al sol la mezcla? Pues un sonido totalmente nuevo, variado pero uniforme, unas veces contundente, otras melancólico, pero siempre con un resultado homogéneo, y esa es la gran virtud de este cuarteto: fusionan con maestría diversas influencias en un estilo totalmente compacto y reconocible.

Cada uno de los diez títulos es un imprescindible. El disco comienza de forma sosegada, con una “Elemental” que nos introduce en su universo en clave de post rock de gran delicadeza que torna rabiosa tormenta desde la mitad de la canción. “Intoxication” y “Myth of the Sun” se desmarcan como singles perfectos, de cadencia exquisita y sensibilidad majestuosa. “Coffee and Ants” por su parte es el trallazo del disco, con un riff matador y la colaboración de Marga de Trigger Travis para marcarse un tema arrollador, mientras que “Brave Stroke” supone el punto de madurez para esta primera parte del álbum, y que podría haber estado en la mencionada obra maestra de Thrice sin despeinarse.

Lo impresionante a estas alturas de disco es darse cuenta de que la segunda mitad es incluso más estimulante. El binomio que forman “Honest” y “(ab)” nos avisa: dos temas complementarios, el primero acústico y el segundo enchufado, con una preciosa melodía de guitarra para empezar y un final memorable con un guiño al “Creep” de Radiohead en sus dos últimos versos. Y para terminar, los tres temas que suponen la cumbre creativa de este magnífico trabajo como colofón final: “Body Exchange” hace gala de una emotividad que pone el vello de punta; “Why Hesitate” es, simplemente, una de las mejores canciones que he oído en mi vida (oír para creer) y “Some Like It Hot” finiquita el disco con un final apoteósico.

Las virtudes de Krilin son tantas que enumerarlas aquí sería eterno: sensibilidad, capacidad de hacer canciones redondas, un vocalista que se mueve con igual comodidad en varios registros, riffs poderosos, arpegios preciosistas… Un grupo que de no estancarse está llamado a ser uno de los grandes de nuestro país y quién sabe si de más allá de nuestras fronteras. Con un debut con tanta personalidad, trabajado con tanto mimo, con canciones tan buenas está claro que el límite lo ponen ellos. Y para colmo el disco sólo está disponible por descarga gratuita, con lo que lo puedes tener sin gastarte ni medio céntimo. Así que ya tardas.

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21
May
08

Carnifex – The Diseased And The Poisoned (2008)

Si buscamos San Diego en la wikipedia, nos sale esto:

“San Diego es una ciudad situada en el extremo suroeste del estado de California (Estados Unidos) y, por lo tanto, al extremo suroeste continental de los Estados Unidos. El condado hace frontera con Tijuana, Baja California, México. Capital del Condado de San Diego, la ciudad tiene fama por su clima templado y sus numerosas playas. En el censo de 2000 tenía una población total de 1 223 400 habitantes. Es la segunda ciudad más grande de California y la séptima del país.” Pues bien, aparte de todo eso, San Diego también es la cuna del grupo que nos ocupa hoy y que están apunto de sacar el que sera su segundo larga duración: Carnifex.

Un segundo asalto de brutalidad que les confirma como uno de los grupos más a tener en cuenta en la bulliciosa escena deathcore americana, sobre todo si tenemos en cuenta el salto de calidad que han dado entre su anterior larga duración Dead In My Arms y este The Diseased And The Poisoned. Calidad que se deja entrever en detalles tales como el mimo que han dado a cada cambio de ritmo, o en lo trabajado de unos riffs que, a priori, pueden resultar típicos, pero que tienen ese toque que hace que los recuerdes una y otra vez. Y, por supuesto esos breakdowns de los que hacen gala en todas sus canciones. Simples pero efectivos, con un toque 100% marca de la casa.

Pero, aparte de todo eso, hay algo que destaca por encima de todo. La producción del disco. Lo suficientemente limpia como para no resultar agobiante, pero con ese toque crunch que tan bien le sienta al estilo. Con una definición que permite distinguir todos los instrumentos por separado (lo cual es un logro hoy en día) y cierto regusto a “old school” que hará las delicias de todos los que gustan de producciones no tan artificiales como las que se estilan últimamente.

Y, entrando ya en materia, hay infinidad de detalles que hacen a este cd un ganador seguro. Desde el ritmo imposible y contundente que nos transporta al breakdown de Adornment Of The Sickened, hasta la intro del tema que cierra este cd, Enthroned in Isolation, con ese impecable riff de guitarra, pasando por el que sin duda es el gran momento de este disco, que no es otro que Aortic Dissection, tema en el cual dan salida a todo lo que han sido y todo lo que son: contundencia, melodía, velocidad y un final con guitarras armonizadas que es capaz de hacer cabecear al más purista. Y, como detalle marca de la casa, esa manera de abordar el final de In Coalescence With Filht And Faith. Nunca un golpe a un plato dio paso a algo tan bestia.

En resumen, Deathcore de alta graduación que hará disfrutar a cualquiera que guste de ritmos fuertemente marcados, de la velocidad con toques de melodía y a los amantes de los grandes riffs. Darle una oportunidad, que seguro que no os arrepentiréis.

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06
May
08

Expedición a las Estrellas – 72 (2008)

Portada Ya no es ningún secreto que en Sudamérica existen bandas capaces de plantar cara a cualquier grupo europeo, especialmente en géneros como el screamo en el que formaciones como Leidan, Asamblea Internacional del Fuego, La Última Canción del Mundo o Subir en Busca del Aire han obtenido una gran reputación no sólo en sus países de origen (Argentina y Chile) sino que incluso a este lado del charco han llamado la atención de muchos amantes del género. Ahora nos llega la nueva gran apuesta para el futuro desde Zacatecas, México en un EP de cinco canciones, adelanto de lo que será su primer disco titulado 27 (y que saldrá a lo largo de este mismo año) que demuestra cómo en cualquier lugar del mundo puede surgir una banda que haga algo realmente nuevo y estimulante.

En este EP de debut, Expedición a las Estrellas nos sorprenden no con un sonido demasiado innovador sino con una mezcla de estilos y unas ideas pocas veces combinadas con tanto éxito. Su sonido se basa en beber de todas las propuestas más experimentales dentro del panorama rock internacional, tales como el post rock y el post metal, sazonado con algún elemento screamo. Nada nuevo bajo el sol entonces, ¿no? En principio no, pero hay que escuchar los cinco temas que componen esta obra para darse cuenta de que no estamos ante un grupo cualquiera. Tras una breve pero preciosista introducción de apenas dos minutos que nos evoca algo similar a un verdadera expedición a las estrellas, llegamos al corte más largo del EP y a la postre el más estimulante: La distancia se oscurece entre pétalos de luna. Un corte progresivo que comienza con un suave piano que da paso a un pasaje con cierto regusto a Explosions in the Sky para inesperadamente desembocar en un violento pasaje crust con una voz típicamente death. Tras esto llega la calma y los ecos post rockeros vuelven a aparecer recordándonos a bandas como Caspian; una atmósfera muy trabajada y un sampler de voz nos invitan a sumergirnos y a dejarnos llevar por el sonido del grupo. Diez minutos de pura intensidad y melancolía.

La sorpresa de este trabajo llega con la tercera canción, 1979-2007, dedicada a uno de los miembros del grupo, fallecido el año pasado. El inicio nos descoloca desde el primer momento, la calma in crescendo de los dos primeros temas contrasta con el demoledor comienzo de este corte instrumental: un riff metálico, pesado, adornado con arreglos propios del post metal. Este se desarrolla hasta un bajón en el que el grupo parece improvisar hasta que una melodía de guitarra y piano nos introduce en quizá el mejor momento del álbum: un pasaje emotivo como pocos que al final se convierte en el riff del comenzo. Sin duda uno de los cortes más refrescantes de este año.

Las dos últimas canciones son dos buenos temas porst rockeros in crescendo que van ganando intensidad hasta que estallan. Merece la pena destacar el piano en Ens Seminis (Phoenix), instrumento además presente durante todo el disco y que le da un aura especial a sus composiciones. El último tema es también de intensidad creciente y lo que destacan aquí son las guitarras distorsionadas.

Intensidad, preciosismo, emotividad, contundencia y distorsión, todo ello en apenas veinticinco minutos en uno de los debuts más interesantes que recuerdo. Si todo va como debe ir, Expedición a las Estrellas pueden convertirse en muy breve espacio de tiempo en una banda de referencia en el panorama mundial, porque calidad e ideas tienen de sobra. Sólo queda ver cómo se defienden en el larga duración. No dejéis de darles una oportunidad.

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27
Mar
08

Despised Icon – The Ills of Modern Man (2007)

     Permítanme decirles antes de empezar con la crítica de este disco que, hasta hace bien poco, vuestro humilde servidor no tenía ni la más remota idea de que semejante grupazo existía. Cierto es que procuro estar al tanto de todo lo que se cuece por los fogones del metal extremo, pero, cosas de la vida, uno no puede llegar a todo. Así pues, hace poco que descubrí esta joya que, de haberla escuchado antes, hubiera entrado en mi Top 5 del año pasado (e incluso en el Top 3), pero, quizá gracias a eso (y al momento que vivo musicalmente hablando) he podido disfrutar al máximo del Cd que nos ocupa hoy. Una vez hecha esta aclaración, vamos con ellos que, al fin y al cabo, son los protagonistas de esta crítica. No es un disco accesible, ni mucho menos, este The Ills Of Modern Man. Más aún, me atrevería a decir que peca de demasiado rebuscado en algunas partes, aunque eso le haga ganar enteros (sobre todo entre el sector mas progresivo del metal extremo). Basan su sonido casi completamente en una cadencia de riffs machacones (entiéndase “machacón” como contundente o muteado, nunca como pesado), con una batería que no suele parar (y cuando lo hace es para partirnos por la mitad con algún breakdown, pero de esto hablaré más adelante) y unos, a mi parecer, bastante logrados momentos de pausa en clave hardcore. Todo ello hace que su sonido en general se pueda describir como pesado, contundente, grueso…todos estos adjetivos les hacen justicia (y alguno más que me dejo, seguramente), pero, también son capaces de dejarte con una sensación de vacío interior, quizá mejor descrito por esta frase que me dijeron el otro día “Es como si te gustara irte a una obra y oir las maquinas machacándolo todo”. Pues si, mi querido amigo. Si Despised Icon es eso, entonces puedes llamarme amante de las obras…
    Otra cosa que cabe destacar es la carencia de melodía en casi la totalidad del disco, siendo esta suplida por estridencia (incluso a veces rozando la disonancia), y, reencontrándose con ella en un único tema, Fainted Blue Ornaments , que sirve como perfecto broche de oro para los 40 escasos minutos que dura el disco. Eso si, ese momento donde, de repente, recuerdan que son capaces de hacer algo más que machacar sin piedad sus instrumentos es, simplemente, uno de los momentos musicales más bellos que recuerdo, precedido por un coro 100% hardcore que seguramente a más de uno y de dos le recuerde a Hatebreed o a Sick Of It All.
    Y los breakdowns… ¿qué decir de ellos? Estos tipos son capaces de meterlos en los lugares más insospechados, incluso como ocurre con Nameless, tema que tiene un breakdown de marcado corte hardcore (una vez más esas influencias), pero que sorprende con una bajada de tempo apoteósica en medio del mismo, dejando al oyente con dos palmos de narices… Cabe destacar también el que nos despachan en Furtive Monolgue, con un riff hecho a base de slides bastante creativo (por cierto, hablando de ese tema, no os perdáis el videoclip. Sencillamente genial).    En resumen, este es uno de esos álbumes a los que no hacen justicia ninguna crítica. Yo podría tirarme aquí describiéndolo siglos, y aún así no podría captar ni el 1% de su esencia, así pues, no queda más remedio que escucharlo. Eso si, permitidme una advertencia a modo de consejo: desalojad vuestra casa. Mandad a vuestra madre/padre/abuela/marido/mujer a dar un paseo, bajad las luces, poneos el volumen al máximo y preparaos para la experiencia más extrañamente carente de sentido, pero brutal y genial a la vez que nunca hubiérais podido imaginar… con ustedes, Despised Icon.

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Furtive monologue:

 

 

10
Mar
08

Meshuggah – obZen (2008)

    Hay pocas cosas seguras y constantes en este, nuestro querido planeta. Podríamos hablar sobre la constante de la gravedad, las leyes de Newton, o que, inequívocamente, el sol siempre va a salir por el mismo lado del planeta. ¿Que a cuento de qué viene todo esto? A cuento de que, a poco que nos fijemos mas allá de lo que pueden (o quieren) ver nuestros ojos (muchas veces deslumbrados por los focos de la música comercial, o simplemente cegados por el desconocimiento), descubriremos grupos y estilos de música que son constantes, como las leyes que mueven nuestro planeta, y, en contadas ocasiones, son tan potentes como la gravedad que ata nuestros cuerpos a la Tierra.
Sirva este pequeño prefacio en tono de gafapastismo soberbio y desmedido para introduciros a la crítica de este nuevo álbum de los genios de Umea, tambien conocidos como Meshuggah. Un nuevo trabajo que, en sus primeras escuchas, se presenta más rápido y violento que sus anteriores entregas, sobre todo en la comparación con el, hasta la fecha, último trabajo de la banda, Catch Thirtythree. Canciones como Combustion, encargada de darnos la entrada al disco, demuestran este cambio y nos muestran unos registros que casi teníamos olvidados en Meshuggah (sirva como excepción la brutal War que abría su Rare Trax allá en el 2001) como pueden ser baterías machaconas, más cercanas a un tema de cualquier grupo de metalcore que a cualquier canción del Nothing (por ejemplo), o ritmos frenéticos de guitarra que nos dan pie a pensar si realmente Mr. Fredrik Thordendal es de este mundo, o se confirma finalmente que es extraterrestre. Porque, seamos sinceros, desarrollos de guitarra como los de la contundente Lethargica, o los de Dancers to a Discordant System no son cosas que a uno se le ocurran todos los dias… aunque si hablamos de cosas extrañas e incluso alienígenas, deberíamos fijar nuestra atencion en Pravus, una canción donde la rabia y brutalidad de este álbum se contagia del espíritu de Meshuggah dando como resultado un tema donde, sin excepción, todos los instrumentos compiten por ver quién es el que suena mas contundente y agresivo de la cancion. Bajos machacones, guitarras ultrapesadas y una batería que no para son su seña.

    Aunque también tiene sus partes conocidas y confortablemente comunes (dentro de los estándares de Meshuggah, claro está) como Pineal Gland Optics que podría haber sido parte del Nothing sin cambiar mucho la tónica de ese cd, o como Electric Red, que tampoco difiere mucho de los parámetros por donde se desenvolvían estos personajillos que nos ocupan.

    En fin, un álbum abierto a todo tipo de gente. Tanto el fan incondicional como el oyente ocasional disfrutará con esta nueva entrega de estos genios de la música. Tiene sus partes pesadas y progresivas (marca de la casa) pero añadiendo una vena de brutalidad a sus composiciones que abre el abanico de posibles oyentes mientras se adentran más y más en el metal extremo.

    Y no me gustaría terminar esta crítica sin dejar reflejada aquí una reflexión personal. Hace poco, alguien me dijo: “la música de Meshuggah debería ser estudiada obligatoriamente en las escuelas”, y yo desde aquí, no solo no pienso que sea exagerada, en absoluto. Es más, yo incluso añadiría una frase mas: “si se supone que las matemáticas son el lenguaje del universo, entonces Meshuggah compone música para las estrellas…”.

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07
Mar
08

Between the Buried and Me – Colors (2007)

Portada     Muy de vez en cuando aparece sin avisar una obra maestra de donde menos se espera, de la nada. Es el caso que nos ocupa. Después de un par de discos correctos sin más en clave de death metal progresivo, Between the Buried and Me nos han sorprendido con esta obra bizarra digna de escuchar sea cual sea nuestro estilo.

    Colors es un disco en el que el concepto de canción está poco valorado. Los cortes entre canciones sirven más para poner un orden que para separar temas, el álbum está pensado más bien como una obra con principio, final y sus distintos movimientos, a lo largo de los cuales vamos pasando de arriba a abajo como en un tiovivo. Es por eso que esta crítica está pensada como un viaje por su sonido.

    El disco empieza con un bonito toque de piano que da entrada a una pequeña introducción titulada Foam Born (a): the Backtrack, y que va subiendo la intensidad hasta que acaba en un arrebato metalcore y donde ya se adivinan algunos tintes progresivos que luego tendrán gran protagionismo en el disco.. En este punto nos sumergimos de lleno en (b) The Decade of Statues. Este tema es totalmente de género, metalcore a saco y sin respiro aunque al final vuelven a aparecer las guistarras progresivas. Es en Informal Gluttony donde empiezan a dejarse ver los elementos más inesperados. Para empezar, esa intro que recuerda un poco a melodías arabescas o indias que dejan paso a la contundencia heavy que caracteriza al grupo. Y sin embargo, a los dos minutos y pico de canción nos soprenden con un estribillo melódico que nos podría recordar perfectamente a cualquier grupo de indie rock, parte que se repite al final del tema para despedirlo en clave de pseudo post rock.

    Sun of Nothing y Ants of the Sky es la dupla más experimental. En los 23 minutos que duran entre las dos asistimos a un repertorio sin igual de idas y venidas: rápidos riffs metaleros, bajones acústicos con voces melódicas que rozan lo lo-fi, pasajes melancólicos… Y largas escalas que nos remiten directamente a los grupos de rock épico progresivo de los años 70 para luego dar paso a una caña metalera que de forma tan natural que ni nos damos cuenta, se convierte en una fiesta country. Prequel to the Sequel sigue en esa línea que mezcla el metalcore con lo progresivo, Viridian es un pequeño alto en el camino y White Walls es la apoteosis, con un inicio demoledor que no baja la guardia hasta el final, cuando despide el disco con un punteo de cuatro minutos, de los que hacen historia. Todo un soplo de aire fresco.

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22
Ene
08

¿Vuelve Manson?

Manson y Twiggy, otra vez juntos

    Si hace unos meses escribí aquí despotricando de Marilyn Manson y de su obra reciente y criticando su actitud, ahora es el momento de rescatar el tema porque han habido ciertos cambios en el seno de la banda recientemente y son muy dignos de comentar.

    El asunto en sí es la vuelta del mítico bajista Twiggy Ramirez al grupo, anunciado en la web oficial hace unas semanas. ¿Por qué esta decisión? Según Manson, durante un concierto de Led Zeppelin en su reunión se quedó prendado de la complicidad entre Robert Plant y Jimmy Page: “debían estar pensando ¡joder, nosotros compusimos Starway to Heaven! Y de repente yo pensé que nosotros habíamos compuesto Antichrist Superstar y que debíamos estar juntos”. Pues bien, la morriña puede incluso con los sacerdotes de la Iglesia de Satán, como podemos ver, y Twiggy ha vuelto bajo sus faldas después de ver cómo se quedaba sin trabajo tras la disolución de A Perfect Circle y el despido por parte de Trent Reznor de casi toda su banda en Nine Inch Nails.

    Pero como si de un puzzle se tratara, en el que si entra una pieza por fuerza tiene que salir otra, la reincorporación de Ramirez ha supuesto la automática salida del grupo del guitarrista Tim Skold. Haciendo un breve resumen de la historia, Skold entró en la banda en 2003 justo después de que Twiggy dejara la banda por desavenencias con Manson. Desde entonces el ex-KMFDM se encargó del bajo hasta que John5 sufrió las iras del frontman dos años después, momento en el que Rob Holiday entró como nuevo bajista y Skold se pasaba a las seis cuerdas.

    El caso es que desde la entrada de Tim Skold en la banda (y la de Dita von Teese en la vida de Manson) el grupo empezó a decaer como nunca: versiones de himnos glam de los ochenta, pérdida de fuelle en los conciertos con repertorios que dejaban mucho que desear, actuaciones sin sentimiento, y dos discos muy lejanos de lo que se debe esperar de un grupo que ha compuesto Portrait of an American family, Antichist Superstar, Mechanical Animals y Holy Wood. Ahora, la cabaretera exhibicionista ha dejado al cantante y Skold se ha quedado en la calle en beneficio del hijo pródigo, otrora mano derecha del líder de la banda y uno de los músicos más queridos por los fans de todos los que han pasado por sus filas.

    ¿El resultado? Pues que en un par de conciertos juntos ya han puesto las cartas sobre la mesa: tres temas del Eat Me, Drink Me, tan sólo uno de The Golden Age of Grotesque (mOBSCENE) y hasta siete de Antichrist Superstar, cifra que ya algunos ni se acuerdan de cuándo fue la última vez que pasó. Además la pareja ha dicho que esperan ponerse a trabajar juntos en sus nuevas canciones pronto. Puede que todo esto no signifique nada, y seguro que no volverán a ser lo que eran pero desde luego que esto es una verdadera declaración de intenciones: Manson quiere volver a armarla. Veremos si lo consigue.

    El setlist del concierto del 20 de enero:

Setlist



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